Podemos falar sobre o Renascimento?

O tema me impressiona, a grandiosidade dos pintores renascentistas me aterroriza a ponto de me sentir oprimido. O tema é muito elevado, quase divino, além de extenso e digno de nota em todos os detalhes. No entanto, tentarei selecionar apenas dez artistas do período histórico de nosso interesse, muito ricos em outros pintores merecedores, mas também importantes escultores e arquitetos, que posso reservar para outra ocasião de discussão. Assim, respondendo à pergunta do título e depois de todos estes preâmbulos, penso que é possível falar do Renascimento, apesar do forte início de uma melancolia peculiar que me leva a esta pergunta: o que aconteceu a toda esta antiga grandeza da humanidade? Deixando de lado as tristes discussões, preparo-me para apresentar primeiro o conceito de Renascimento e depois algumas obras-primas da época que você provavelmente já conhece...

O Renascimento em Breve

Esta parte introdutória destina-se apenas a apresentar os artistas que serão os protagonistas do top 10, pois o Renascimento e a sua história certamente merecem um texto mais longo para explicar cuidadosamente todas as suas peculiaridades. Quando se fala do Renascimento, basta pensar num período de florescimento, numa época de renascimento, que ocorreu após os séculos mais sombrios. Na verdade, o período em questão, que começou na Florença do século XIV e terminou em meados do século XVI, marcou o despertar das artes, bem como da ciência, da matemática, dos interesses tecnológicos, da filosofia, da política e muito mais. No centro destas atitudes de valorização do intelecto e da capacidade humana estava o Humanismo, um pensamento filosófico que visava colocar o homem e a sua obra no centro do universo, um contexto antes ofuscado pela presença dominante da Igreja Católica, permeado por um sentido de pecado e a ideia avassaladora da irreversibilidade do destino humano. O humanismo foi acompanhado pelo retorno à Antiguidade Clássica, ou seja, pela tendência de buscar e reinterpretar os ideais gregos e romanos, sempre prontos a emular a beleza, a harmonia, a simetria ou as proporções perfeitas em sua arte. Para prosseguir estes objectivos, o espírito da época originou novas inovações técnicas como o Naturalismo, o Contrapposto, o Claro-escuro e a Perspectiva Linear, que deram origem a uma produção figurativa fundamentalmente realista. Estas tendências sofreram variações ao longo do tempo, à medida que a arte renascentista é categorizada em diferentes linhas de tempo ou fases: a Proto-Renascença, a Primeira Renascença, a Alta Renascença, bem como outras regiões fora da Itália, colectivamente referidas como Renascença do Norte. Agora começa o top 10, apresentado em ordem cronológica: apresentando os artistas com base em suas datas de nascimento!

A Expulsão do Jardim do Éden, antes e depois da restauração. Masaccio, Expulsão do Jardim do Éden, 1424.25. Ao ar livre. Capela Brancacci na igreja de Santa Maria del Carmine em Florença.

1.Masaccio: Expulsão dos Progenitores do Éden (1424-25)

Veja como Giorgio Vasari descreve a arte de Masaccio: "As coisas feitas antes dele [antes de Masaccio] podem ser chamadas de pintadas, e as dele, vivas, verdadeiras e naturais." Após este elogio, podemos descrever uma das obras mais famosas do pintor nascido em 1401, que é a Expulsão dos Progenitores do Éden, afresco na Capela Brancacci da Igreja de Santa Maria del Carmine em Florença. Nesta obra de arte, Adão e Eva, que comeram do fruto do conhecimento, pecaram irreparavelmente ao desobedecerem a Deus. Porém, Masaccio retrata o momento em que eles são literalmente expulsos do Paraíso Terrestre, aparecendo nus, assustados e infelizes, conduzidos para fora da soleira da alvenaria por um querubim empunhando uma espada. O artista toscano parece ter permanecido um tanto fiel ao relato bíblico, embora existam alguns detalhes que se afastam das palavras do Gênesis. Na verdade, na história bíblica, os protagonistas estariam vestidos, existem vários anjos e não há menção à existência de uma porta que sinalizaria o fim do Paraíso e o início do mundo mortal.

Andrea Mantegna, A Lamentação sobre o Cristo Morto, por volta de 1470-1474 ou por volta de 1483. Têmpera sobre tela, 68 cm × 81 cm. Pinacoteca de Brera, Milão.

2.Andrea Mantegna: A Lamentação sobre o Cristo Morto (por volta de 1470-1474 ou por volta de 1483)

Já chegamos a Mantegna, pintor, gravador e miniaturista da República de Veneza nascido em 1431, autor do icônico Cristo Morto, obra-prima exposta na Pinacoteca di Brera, em Milão. Por que esse Jesus sem vida é tão importante? Afinal, a história da arte está repleta de temas semelhantes... Na verdade não, antes de Mantegna ninguém havia retratado esta cena com tanto drama, dando vida a um Filho de Deus que é extraordinariamente humano, e na morte, ele realmente assume as características de um corpo frio deitado na cruz. Não é mais apenas a representação de uma divindade aguardando a ressurreição porque o corpo sem vida repousa pesadamente sobre uma laje de mármore vermelho, identificável como a tradicional Pedra da Unção usada para preparar o corpo para o sepultamento. Nós, espectadores, podemos também concentrar-nos nos pequenos detalhes da têmpera, como as feridas dos pregos, talvez também observadas pelas três figuras enlutadas à esquerda do painel, identificáveis, apesar das rugas e marcas duras de Mantegna, como as figuras da Madonna, São João e Maria Madalena.

Perugino, O Casamento da Virgem, 1500–1504. Óleo sobre madeira, 234 cm × 185 cm. Museu de Belas Artes, Caen.

3.Perugino: Casamento da Virgem (1501-1504)

O pintor italiano nascido em 1448 é conhecido de várias formas, como Pietro di Cristoforo Vannucci, Pietro Perugino e il Perugino, mas também como o “pintor divino”. Esta última denominação transmite de imediato o calibre do artista de que falamos, que dirigiu simultaneamente dois ateliers, um em Florença e outro em Perugia, e recebeu a sua formação com Verrocchio, ao lado de Botticelli e Leonardo da Vinci! O artista, considerado um dos maiores expoentes do Humanismo, é autor do famoso Casamento da Virgem, hoje exposto no Musée des Beaux-Arts de Caen. As espoliações de Napoleão em 1797 trouxeram de facto a pintura a óleo sobre madeira para França, onde conta um acontecimento alegre da tradição cristã, comemorando o casamento da Virgem Maria e de São José. Na obra do artista, um templo serve de pano de fundo a este episódio, pretendendo sintetizar os ideais renascentistas em vez de se referir fielmente a um modelo clássico. A composição da pintura lembra o afresco anterior de Perugino, a Entrega das Chaves, no qual um grande edifício octogonal de planta central é colocado no final de um piso em tabuleiro de xadrez em perspectiva, projetado para amplificar a cena em primeiro plano, ao mesmo tempo que adere ao ideal de racionalidade geométrica. da época, empregado de forma semelhante por Rafael em seu Casamento da Virgem.

Ghirlandaio, Adoração dos Pastores, 1485. Têmpera sobre painel, 167×167 cm. Basílica de Santa Trinita, Capela Sassetti, Florença.

4.Ghirlandaio: Adoração dos Pastores (1485)

Domenico Bigordi, conhecido como Ghirlandaio (1448-1494), foi um pintor atuante principalmente em Florença, lugar onde nasceu e se destacou naquele período florescente governado pelo famoso Lorenzo, o Magnífico. Sua Adoração é definitivamente datada de 1485. Como posso saber? Veja você mesmo um dos dois capitéis coríntios colocados como suporte do telhado da cabana sob a qual estão os animais que, como se fossem humanos, parecem contemplar a Virgem com o menino diante deles. Então, você viu o ano explicado em algarismos romanos? Pois bem, há outras coisas que posso lhe mostrar, pois, na composição quadrada, executada de acordo com a iconografia tradicional, encontramos diversas referências ao mundo antigo, como, em além das colunas acima mencionadas, o arco triunfal e o sarcófago romano usado como manjedoura. Além disso, a inscrição em latim neste último, que pretende aludir ao acontecimento do nascimento de Cristo, é tão precisa quanto o gesto que José faz para observar a procissão mais distante, meticulosidade que confirma a grande atenção do mestre à execução, provavelmente também devido à observação cuidadosa da tradição flamenga.

Leonardo da Vinci, Mona Lisa, 1503-1505. Óleo sobre painel de choupo, 77 cm × 53 cm. Louvre, Paris.

5.Leonardo da Vinci: Mona Lisa (1503-1505)

Muitas vezes, Dante na Divina Comédia desmaia, desmaia em situações difíceis, onde seu corpo não consegue suportar o que sua mente percebe. Deus, quando escrevi o nome de Leonardo me senti um pouco assim, pois o mestre nascido em 1452 é considerado um dos maiores gênios da humanidade, perfeitamente capaz de encarnar plenamente o espírito de sua época, visando alcançar as mais altas expressões do homem nos domínios da arte e do conhecimento. Sua pintura mais famosa, e na verdade a pintura mais famosa do mundo, é a Mona Lisa, uma obra-prima que também atraiu o interesse de Sigmund Freud. Freud, em vez de acreditar que a mulher retratada fosse Lisa Gherardini, argumentou que o mestre havia imortalizado sua mãe, figura que havia partido prematuramente de sua vida. Na verdade, o pintor, filho ilegítimo de um notário e de um criado, passou os primeiros anos com a mãe Caterina, antes de ir viver com o pai e a sua nova e jovem esposa. Além disso, a mãe do artista faleceu quando ele tinha apenas cinco anos, fato que, segundo o psicanalista, teve impacto duradouro no desenvolvimento da personalidade de Leonardo. Esta hipótese é potencialmente apoiada pela paisagem por detrás do protagonista da obra-prima, que parece aludir ao ambiente de infância de Leonardo, próximo do rio Arno.

Michelangelo, Criação de Adão, por volta de 1511. Afresco, 280 cm × 570 cm. Teto da Capela Sistina.

6.Michelangelo: Criação de Adão (por volta de 1511)

Aqui está ele, Michelangelo! Personalidade tão brilhante quanto inquieta, apelidado de Artista Divino e reconhecido como um dos maiores mestres de todos os tempos até pelos seus contemporâneos, Michelangelo Buonarroti, pintor, escultor, arquiteto e poeta, nasceu em Caprese (Arezzo, Toscana) em 6 de março de 1475. A obra que mostrará seu talento imortal é a Criação de Adão, um afresco da Capela Sistina, uma das obras mais famosas e icônicas da história da arte. Ela toma forma na representação de Deus suspenso dentro de uma auréola carregada por anjos, Sua mão prestes a encontrar a de Adão, que está deitado à esquerda, aparecendo em uma campina. Qual é o significado do que vemos? O pano de fundo, que não retrata detalhes, nos imerge no contexto da criação de Adão e, portanto, da humanidade, referindo-se especificamente ao momento em que Deus Pai estende o braço para tocar fisicamente o jovem, transmitindo-lhe a centelha de vida. ele. Neste ponto, concluo com um detalhe interessante: um gesto semelhante ao ilustrado acima pode ser encontrado na Anunciação em Cestello, de Sandro Botticelli, onde o Arcanjo Gabriel estende a mão para a Virgem, criando movimentos dramáticos e teatrais, construídos em torno do diagonal criada pelos braços dos dois protagonistas.

Ticiano, Vênus de Urbino, 1538. Óleo sobre tela, 119 cm × 165 cm. Uffizi, Florença.

7.Tiziano: Vênus de Urbino (1538)

Neste top ten, cada artista é uma experiência dolorosa para mim, muita grandeza em um único artigo. Mas antes de desmaiar novamente, posso falar de Ticiano? Sim, Tiziano Vecellio, conhecido simplesmente como Ticiano, foi um pintor italiano nascido em 1488, figura proeminente da escola veneziana, cujos elementos estilísticos são parcialmente resumidos pela famosa obra-prima, a Vénus de Urbino. O óleo sobre tela, apesar da sua composição perfeitamente equilibrada, mantém a naturalidade das figuras, privilegiando sobretudo a protagonista, uma Vénus nua reclinada sobre um lençol branco, segurando o busto com a mão direita e apoiando o braço em duas almofadas. A mulher olha diretamente para o observador, enquanto com a mão esquerda cobre a região pubiana e com a direita segura algumas rosas, algumas das quais caíram sobre a cama vermelha. Na sala de estilo renascentista, além do cachorrinho próximo à deusa, duas criadas podem ser vistas ao fundo recuperando roupas de um baú. No entanto, a obra-prima pode ser entendida simplesmente referindo-se ao seu patrono, Guidobaldo, que pretendia usar a pintura como lembrança e modelo de vida conjugal para dedicar à sua esposa, Giulia da Varano. Na verdade, alguns elementos da tela falam claramente a este respeito: as rosas simbolizam a beleza, que, ao contrário da fidelidade eterna simbolizada pelo cão, desaparece com o passar do tempo. Portanto, mais do que as proezas físicas, durante uma longa história de amor, será a atitude respeitosa que será favorecida para sempre apoiar os cônjuges...

Piero della Francesca, Batismo de Cristo, 1445. Têmpera sobre painel, 167 cm × 116 cm. Galeria Nacional, Londres.

8.Piero della Francesca: Batismo de Cristo (1445)

No centro da composição encontramos Jesus, enquanto à direita João Batista assume sua posição; são as figuras principais desta obra-prima, rodeadas de anjos e de uma figura masculina mais distante, que surge diante de um grupo de sacerdotes gregos. A cena do batismo, que encontra espaço concreto acima da cabeça do Filho de Deus, pelas mãos de João, foi habilmente estudada, embora possa parecer um tanto aleatória. O artista, de facto, aderiu a regras matemáticas precisas, destinadas a conferir à pintura uma sensação de calma e serenidade, principalmente devido a uma construção geométrica peculiar, que Piero também descreveu no tratado "De quinque corporibus regularibus". Todo este estudo torna-se evidente quando decompomos a composição, procurando nela encontrar a figura de um quadrado, cuja forma se estende desde a base do suporte até logo acima da pomba. Posteriormente, poderá ser colocado um semicírculo na parte superior da obra, que, se dividido ao meio, revelará Jesus como figura central indiscutível, juntamente com a mão de João e o referido animal. Como tudo isso se relaciona interpretativamente com o que foi descrito até agora? Mesmo neste caso, por trás de uma mensagem simples, esconde-se outra mais complexa e simbólica, pronta a revelar-se nos vários elementos representados, como, por exemplo: a árvore viçosa, o arbusto murcho, a pomba e os anjos. . A primeira refere-se à riqueza da vida dos fiéis a segunda à pobreza dos não batizados a terceira ao Espírito Santo e a última à Trindade... Quanto ao artista Piero di Benedetto de' Franceschi comumente conhecido como Piero della Francesca, nascido em Sansepolcro em 1412, foi um pintor e matemático italiano, certamente uma das figuras mais emblemáticas do Renascimento italiano, pertencente à segunda geração de pintores-humanistas.

Rafael, A Escola de Atenas, 1510. Afresco, 500 cm × 770 cm. Palácio Apostólico, Cidade do Vaticano.

9.Rafael: A Escola de Atenas (1510)

Considerado um dos maiores artistas de todos os tempos, Raphael Sanzio (1483-1520), pintor e arquiteto, é o criador de uma das obras mais conhecidas da história da arte: A Escola de Atenas, um afresco em uma luneta na Sala da Segnatura nos Palácios do Vaticano (Cidade do Vaticano). A obra-prima retrata um edifício clássico com piso decorado com quadrados regulares, pronto para acomodar uma escada, onde são colocados vários elementos arquitetônicos antigos. O conjunto foi concebido como um magnífico cenário, tendo, além do céu azul ao fundo, personagens notáveis, cientistas e intelectuais contemporâneos do mestre, além de pertencentes ao mundo clássico. No centro do afresco, de fato, estão posicionadas as figuras de Platão e Aristóteles, prontas para deixar claro o significado de toda a composição: celebrar a civilização romana e o papado como herdeiro de uma antiga grandeza. Em particular, de acordo com o programa do Papa Júlio II, a Sala da Segnatura pretendia representar a filosofia, incorporando os valores do bem, do verdadeiro e do belo, os únicos caminhos pelos quais o homem pode chegar a Deus.

Botticelli, O Nascimento de Vênus, 1476-1487. Têmpera sobre tela. 172,5 cm × 278,9 cm (67,9 pol. × 109,6 pol.). Uffizi, Florença.

10.Botticelli: O Nascimento de Vênus (1476-1487)

Concluímos este relato não exaustivo com a décima posição, assumida com firmeza por Botticelli, que não quis e não poderia ser excluído. Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, conhecido pelo nome artístico Sandro Botticelli, nascido em março de 1445 em Florença, foi um pintor renascentista, celebrado principalmente por seu Nascimento de Vênus, têmpera sobre tela admirada na Galeria Uffizi (Florença). A obra, décima numa classificação que segue apenas por ordem de antiguidade dos mestres, traz no centro a figura da deusa apoiada numa concha, pronta para se dirigir às costas de Chipre, onde uma das Horas, ou uma das Graças, espera-a, oferecendo-lhe um manto bordado. Tudo isso é possível graças ao vento, personificado por Zéfiro, cujo sopro, vindo da esquerda, permite que Vênus se mova, enquanto ele próprio desfruta do abraço da ninfa Cloris. A pintura foi criada para ilustrar o relato de Ovídio nas Metamorfoses, embora contradiga o seu próprio título porque, em vez de representar o nascimento da deusa, representa a sua viagem. Por que então referir-se às Metamorfoses? O Nascimento de Vênus, assim como a Primavera de Botticelli, foram concebidos dentro da cultura neoplatônica florentina, abraçada por muitos intelectuais, promovendo a visão do amor como um princípio vital cheio de poder de renovação na natureza.